Image as Interface

panke.gallery at NEORT++ Gallery in Tokyo, Japan

Image as Interface – duo exhibition with Rosa Menkman and Ulrike Gabriel; 29 August - 14 September 2025

· curated by Sakrowski

Venue: NEORT++ Gallery; Nihonbashi Bakurocho, Chuo-ku, Tokyo

NEORT++ is a digital and media art exhibition space that aims to serve as an experimental venue where artists collaboratively explore the experience and perspectives of art that incorporates cutting-edge technology.

Organizers: NEORT++, panke.gallery, The Kao Foundation for Arts and Science

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↓ German below ↓

We are living at the end of the Iconic Turn. We constantly disseminate, produce, generate, and receive images. It is a time in which events are even produced specifically for images, which are then disseminated and processed into new images. The dissemination and reception of the digital image seem more important than its production.

It has never been so easy to produce a digital image.

No longer is the visual experience in the physical world transformed by the hand onto the surface, holding up a flat mirror for reflection as it dances away from the subject. The spell cast by depicting and tracing one's own shadow gave the individual a feeling of power over their own existence.

Today, it is the prompt for the LLM, it is the transfer of the lyrical, the poetic, the text, the thought, the concept, the code into image form, revealing a moment of power that has long been hidden in the text and especially in its performative form, the code as law or software.

Moving forward, backward, away from, and toward the easel or drawing board always gave painting a performative quality in the production of images, a magical dance that culminated in the trance-like pirouettes of Jackson Pollock. The magic of the entire movement of the body, especially the hands, is lost in coding. It is completely replaced by the feeling of omnipotence that arises in creation when the software executes the commands of its creator, i.e., performs. It is the software that performs, not the human being.

The programmer, or prompt engineer, can be understood as the Odysseus of dialectical enlightenment. He is capable of perceiving the most artful songs of the sirens, but he cannot respond to them because his body is chained to the mast. He sits almost lifelessly in front of his screen and must tirelessly prove that he is not a bot. This is then also the last remaining perception of his own being, since all other certainties blur in endless variations of everything ever thought, in the network with its billions of nodes.

Visual experiences in the world are no longer processed in order to take a position in the world, but concepts are (further) processed in order to contextualize oneself in the network, to determine relationships.

But even the last answer to the question "Are you human?" will soon fade away as a faint echo in uncertainty, because only bots will be real for bots. Never before has it been so inevitable to take pictures. The endless floods extend to every pocket device and are always at hand and before our eyes. They want to be scanned, interpreted, understood, and, especially today, read. To tap into the power and beauty of the symbol, it took not only training and a trained eye, but also time to identify the symbol as such and classify it in a possible order that allowed for interpretation.

Today, image reception has mutated into image consumption. There is no longer any time for the performative scanning of the image surface—the reading of individual symbols, the diverse relationships between color, surface, and object. Under the conditions of attention economies, more and more text and conventional forms are being inscribed into images until they condense into so-called memes that can be grasped and devoured in an instant.

The works of the two artists exhibited here are quite different from that. In her work, Ulrike Gabriel constructs a dynamic visual world by tracing the viewer's gaze with bundles of endless rays, which then create an image space out of nothing from the viewer's perspective. The artist fills it with textures from technical images (satellite images), thus transforming the non-space into a fully immersive 3D space. In doing so, she modifies the senses of sight and touch by means of the helmet and glove she has constructed. The visual experience and manual perception become the paradigms that make the visual world of the perceptual arena possible in the first place.

This work magnificently reflects the fundamental concept of technical images, which can only be generated from the performance of our perception and in interaction with the hardware and software that connect intimately with our bodies. Construction, reflection, perception, and cognition converge here in a single process for the user.

Perceptual Arena does not consist solely of the introspective perceptual aspect, but rather turns it outward and curves it into an arena, allowing other visitors to follow and observe the individual's image and world construction as a projection. Equipped with a helmet and gloves, the viewer/constructor thus became the classic user as early as 1992, the user who applies the software and does not merely use it. This fully equipped user already resembles today's content creator, while the outside observer still feels safe until they themselves have to enter the arena.

Rosa Menkman's work The BLOB of im/possible images (in which BLOB stands for Binary Large OBject) asks where images become unrenderable. During her Arts at CERN residency, Menkman asked scientists to describe an "impossible" image, considering the limits of resolution, signal-to-noise, time, energy, cost, and hard physical limits. She abstracted recurring categories of impossibility and installed them inside the navigable 3D environment she named the BLOB. The BLOB appears as a subtly interference-like texture, recalling Newton's rings and moiré, cut by axes that model the trade-offs that govern imaging and the losses each render entails: every parameter that clarifies one feature occludes another. The BLOB is both catalogue and model, a collection of stated impossibilities and a toolkit for thinking through why images fail, are compromised, or are ruled out by physics. It reframes the "impossible image" not as a failure of imagination but as the outcome of stacked or coupled parameters and material limits, inviting viewers to explore the structure of those limits rather than look past them.

The flood of generated images presents an opportunity similar to that which painting experienced with the advent of photography, allowing it to reflect on its foundations. Today, it is possible to ask once again what an image is and what an image can achieve.

This exhibition features two artists who share not only an interest in exploring the limits of what is possible in an image, but also an aim to convey the aesthetic similarities between their two approaches. For example, the graphic forms of the rays that cut through the pictorial space, dividing it up and at the same time constructing it. The use of technical textures that fill and dynamize the pictorial space. Both artists also support the use of the hand, with the mouse or the VR glove, to navigate the pictorial space and truly unfold it. Both artists develop a dynamic digital image space whose significance transcends the examination of its technical conditions and enables an aesthetic experience that provides insight into our times.

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Wir leben im sogenannten Iconic Turn. Dies ist nicht nur eine Zeit, in der wir unablässig Bilder verbreiten, erzeugen und generieren. In dieser Zeit werden mehr und mehr Ereignisse extra für Bilder produziert. Bilder, die dann wiederum verbreitet und zu neuen Bildern weiterverarbeitet werden. Die „Hohe Kunst“ scheint heute nicht mehr in der Produktion dieser Bilder selbst zu liegen, auch nicht mehr in ihrer Verbreitung und Rezeption. Sondern darin, diese Produktion, diese Erzeugung digitaler und generischer Variationen des Immergleichen, diesen endlosen Strom von digitalen Bildern zu stoppen. Das heißt einer Edition endlich ein Ende zu setzen, eine Entscheidung zu fällen, die die Potenz der unendlichen Möglichkeiten reduziert und auf eine abzählbare Anzahl zurückbindet. Die Entscheidung für Etwas erfordert Strenge, denn in ihrer Reduktion schließt sie schmerzlich die Unendlichkeit aller anderen Optionen aus.

Nie war es so einfach digitale Bilder zu produzieren. Und so bietet die Überflutung mit technisch generierten Bildern eine Chance, ähnlich der Fotografie, die die Malerei herausforderte und sie dazu veranlasste, ihren Sinn und ihre Grundlagen neu zu überdenken.

Heute können wir uns erneut fragen, was ein Bild ist und was es leisten kann und sollte.

Es wird nicht mehr das Seherlebnis in der physikalischen Welt über die Hand auf die Fläche transformiert und hält uns dabei, im tänzerischen Zurücktreten vom Sujet, einen flachen Spiegel zur Reflexion vor. Nein, heute ist es die Übertragung des Lyrischen, des Poetischen, des Texts in Bildform, der Promt zum LLM, der einen von vielen als zauberhaft empfundenen Moment einer Machtfantasie erzeugt. Eine Macht die sich lange schon im Text und insbesondere seiner performanten Form, in dem Code als Gesetz oder der Software versteckte.

Das archaische Vor und Zurück, das Herantreten an die Staffelei oder das Zeichenbrett, gab dem Malen immer auch schon etwas Performatives mit in die Bildproduktion. Einen magischen Tanz, der in den trancehaften Pirouetten des Jackson Pollocks seinen Höhepunkt fand. Das Magische der gesamten Bewegung des Körpers insbesondere seiner Hände geht im Coden, im Prompten verloren. Es wird gänzlich ersetzt vom Gefühl der Allmacht, die sich im Kreieren dann einzustellen scheint, wenn die Software die Befehle ihres Kreators ausführt. Hier performt die Software und nicht der Mensch. Der Promt-Ingenieur ist eher als apollinische Figur, oder als Odysseus der dialektischen Aufklärung zu begreifen - er ist zwar fähig die kunstvollsten Gesänge der Sirenen wahrzunehmen, kann jedoch nicht auf sie reagieren, denn sein Körper ist an den Mast gekettet. Beinahe leblos sitzt er vor seinem Screen und muss unermüdlich beweisen kein Bot zu sein. Das ist dann wohl auch die letzte überhaupt noch verbliebene Wahrnehmung des eigenen Seins, da alle anderen Gewissheiten in endlosen Variationen alles je Angedachten im Netz mit seinen Milliarden Knotenpunkten verschwimmen. Nicht mehr Seherlebnisse in der Welt werden verarbeitet um eine Position in dieser beziehen zu können, sondern Konzepte weiterverwurstet um sich im Netzwerk zu kontextualisieren. Doch selbst die letzte Antwort, auf das „are you human?“, wird bald als blasses Echo im Ungewissen verklingen, da nur noch Bots für Bots wahrhaftig kreieren werden.

Nie war es so unausweichlich Bilder aufzunehmen. Die unendlichen Fluten die sich bis auf die Taschenspiegel erstrecken und immer zur Hand und vor den Augen sind. Sie wollen abgetastet, interpretiert, gedeutet und insbesondere heute auch gelesen werden.

Um sich die Kraft und Schönheit des Symbols zu erschließen bedurfte es nicht nur des Trainings, des geschulten Blicks, es bedurfte besonders der Zeit um das Symbol als solches zu identifizieren. Es einzureihen in eine mögliche Ordnung, die eine Interpretation zuließ. Diese Zeit ist in der heutigen Situation, der Bildrezeption die zur Bildkonsumtion mutiert ist, nicht mehr vorhanden. Das performative Abtasten der Bildfläche - das Lesen der einzelnen Symbole, der vielfältigen Relationen von Farbe, von Fläche und Objekt ist in der heutigen Aufmerksamkeitsökonomie nicht mehr zu leisten. So kommt es, daß sich mehr und mehr Text und Konventionsformen in die Bilder einschreiben. Bis sie zu sogenannten Memes im Netzwerk kondensieren, die in einem Haps erfasst und verschlungen werden können.

Ganz anders die Arbeiten der beiden hier ausgestellten Künstlerinnen. Ulrike Gabriel konstruiert in Ihrer Arbeit ein dynamisches Bild, indem sie den Blick des Betrachters mit Bündeln endloser Strahlen nachzeichnet, die dann als Achsen aus dessen Perspektive einen Bildraum erschaffen, den die Künstlerin mit Texturen technischer Bilder (Satelliten Bilder) auffüllt und so aus dem Nichtraum in den 3d Raum mit voller Immersion überführt. Dabei modifiziert sie Seh- und Tastsinn mittels eines modifizierten Helmes und Handschuhs. Das Seherlebnis und das händische Erfassen werden hier zu den Paradigmen, die die Bildwelt der perceptual arena erst möglich machen. Diese Arbeit reflektiert grandios das grundlegende Konzept technischer Bilder, die sich erst aus der Performanz unserer Wahrnehmung und im Zusammenspiel mit der Hard- und Software, die sich mit unserem Körper auf intime Weise verbindet, erzeugen lassen. Konstruktion, Reflexion, Wahrnehmung und Erkenntnis fallen hier in einem einzigen Prozess für den User zusammen. Perceptual Arena besteht aber nicht nur aus dem introspektiven, perzeptualen Aspekt, sondern stülpt diesen auch nach außen und wölbt ihn in eine Arena ein. So dass andere Besucher die Bild- und Welt-Konstruktion des Einzelnen als Projektion verfolgen und beobachten können. So wird der mit Helm und Handschuh ausgestattete Betrachter/Konstrukteur 1993 schon zum klassischen User. Der User, der Anwender - der, der die Software anwendet und nicht nur verwendet. In diesem vollausgestatteten, „fully equippten“ User zeichnet sich schon der heutige ContentCreator ab. Wobei der aussenstehende Betrachter, sich noch in Sicherheit wiegt, bis er dann heute selbst in die Arena steigen muss.

Rosa Menkmans Arbeit „The BLOB of im/possible images” (wobei BLOB für „Binary Large OBject” steht) befasst sich mit der Frage, wann Bilder nicht mehr darstellbar sind. Während ihres Aufenthalts im Rahmen des Programms „Arts at CERN” bat Menkman Wissenschaftler, ein „unmögliches” Bild zu beschreiben, wobei sie die Grenzen der Auflösung, des Signal-Rausch-Verhältnisses, der Zeit, der Energie, der Kosten und der physikalischen Grenzen berücksichtigte. Sie abstrahierte wiederkehrende Kategorien der Unmöglichkeit und installierte sie in einer navigierbaren 3D-Umgebung, die sie BLOB nennt. Der BLOB erscheint als eine subtil interferenzartige Textur, die an Newtonsche Ringe und Moiré erinnert und von Achsen durchschnitten wird, die die Kompromisse modellieren, welche die Bildgebung bestimmen, sowie die Verluste, die jede Darstellung mit sich bringt: Jeder Parameter, der ein Merkmal verdeutlicht, verdeckt ein anderes. Der BLOB ist sowohl Katalog als auch Modell, eine Sammlung erklärter Unmöglichkeiten und ein Werkzeugkasten. Um zu durchdenken, warum Bilder scheitern, beeinträchtigt werden oder durch die Physik ausgeschlossen sind. Er definiert das „unmögliche Bild” neu: nicht als Versagen der Vorstellungskraft, sondern als Ergebnis verschachtelter oder gekoppelter Parameter und materieller Grenzen. Er lädt die Betrachter ein, die Struktur dieser Grenzen zu erforschen, anstatt über sie hinwegzusehen.

Diese Ausstellung zeigt zwei Künstlerinnen, die nicht nur ein gemeinsames Interesse verbindet, die Grenzen des Möglichen in einem Bild zu erforschen, sondern verfolgt auch das Ziel, die ästhetischen Gemeinsamkeiten ihrer beiden Ansätze zu vermitteln. Zum Beispiel die grafischen Formen der Strahlen, die den Bildraum durchschneiden, ihn aufteilen und gleichzeitig konstruieren. Die Verwendung technischer Texturen, die den Bildraum füllen und dynamisieren. Beide Künstlerinnen unterstützen auch die Verwendung der Hand, mit der Maus oder dem VR-Handschuh, um den Bildraum zu navigieren und ihn wirklich zu entfalten. Beide Künstlerinnen entwickeln einen dynamischen digitalen Bildraum, dessen Bedeutung über die Untersuchung seiner technischen Bedingungen hinausgeht und eine ästhetische Erfahrung ermöglicht, die Einblicke in unsere Zeit gewährt.